Elliott Barnes, architecte franco-américain, est né à Los Angeles. 27 L’obsession du détail et de la matière caractérise son style éclectique et épuré. Parmi ses projets, on note les centres d’accueil et réceptions de la Maison Ruinart à Reims, de la Maison Billecart Salmon à Mareuil-sur- Aÿ, l’Hôtel de Montesquieu à Paris, des appartements pour le groupe immobilier Mitsui Fudosan au Japon, un chalet à Verbier, et le Ritz Carlton à Wolfsburg en Allemagne. Il dessine également du mobilier et des objets pour des maisons françaises telles que Ecart Paris et Christofle. Le musée Carnavalet reconnait son travail en 2014 et lui consacre une exposition. En 2023, il est lauréat du Talent de l’Élégance décerné par le Centre du luxe et de la création. 

« Voir le cuir comme une matière qui structure et non comme une matière qui couvre », fut le point de départ de la réflexion pour le banc Endless Summer II. Mis en œuvre par l’Atelier Le Floch, il réunit l’imaginaire, l’invention et le sens de l’abstraction pour créer des vagues de cuir ondulé. Le nom du banc est tiré du film mythique des années soixante où deux surfeurs partent en quête de la vague parfaite. Réalisé en synderme, matériau obtenu à partir de chutes de cuir mélangées à des fibres papetières et à un liant synthétique, il allie design et développement durable. Le synderme étant un cuir reconstitué, il peut à ce titre bénéficier de l’appellation cuir. L’ensemble est maintenu par compression sur une structure en métal. 

Diplômée en 2009 en Angleterre, d’abord designer intégrée, puis en 113 quête de transversalité et d’engagement, Aurélie Richard fonde son studio en 2014. Elle y mène des projets de direction artistique par le design destinés aux entreprises de savoir-faire, une réflexion autour de leurs savoir-faire matériels et immatériels puis une concrétisation opérationnelle et formalisée de cette vision. Elle accompagne, depuis les temps de clarification jusqu’au développement formel et technique des questions de design de vente et de design de produits. La question de la représentation l’amène vers la production d’illustrations sur-mesure destinées à des commandes spéciales. Depuis 2016, avec Éric Fache, ils s’engagent auprès d’institutions et de centres de formation. 

Le luminaire COL imaginé par Aurélie Richard est composé d’une seule pièce en faïence, moulée puis découpée à la main pour obtenir le col de diffusion. La découpe confère un caractère unique à chaque pièce. Aurélie Richard souhaitait proposer un lampadaire entre masse et délicatesse, par son assise dimensionnelle et ses détails de finitions, tous propres aux qualités structurelles “de la faïence”. Pour cette édition limitée, le champ du col de la lampe est souligné d’un filet émaillé argent nécessitant une 3e cuisson de la pièce. Ce traitement est extrêmement délicat. Cet objet est réalisé en faïence blanche de Limoges émaillé en blanc puis peint à la main pour le filet argent par la faïencerie de Charolles. 

Sabourin Costes est un studio de design fondé en 2019 par Zoé Costes et 117 Paola Sabourin. Depuis leur atelier parisien, le duo compose et façonne la surprise. En alliant une exploration méticuleuse des matériaux et de leur mise en œuvre à une recherche formelle et fonctionnelle, elles créent des objets singuliers qui accrochent le regard. Leurs matériaux de prédilection sont simples mais raffinés : bois laqué, inox poli ou résine transparente ; ils jouent avec réflexion et distorsion pour créer, au travers de pièces aux lignes fortes, des moments inattendus et contemplatifs. 

La résine est un matériau aux aspects multiples, liquide puis solide, elle est manipulée par des procédés spécifiques et millimétrés. La collection Boudins, dont la table basse éponyme est issue, repousse les limites de ces mises en œuvre à travers des objets aux lignes mouvantes. Les trois cylindres massifs qui composent le piètement de la table basse Boudins s’élèvent de manière rectiligne pour s’assouplir et se délier de façon organique, créant ainsi le support du plateau de verre. La transparence et la brillance, caractéristiques communes du verre et de la résine, dessinent avec légèreté une pièce puissante. 

Elisa Uberti est une artiste et designer française. Après avoir travaillé pendant plus de quinze ans dans la mode, elle décide de se former à la céramique. Animée par une passion immodérée pour les objets raffinés et intemporels, elle se tourne vers l’artisanat. Sensible à la beauté de la céramique, elle ressent le besoin d’une liberté créative et d’un retour à la simplicité. Depuis 2018, dans son atelier roubaisien, elle façonne le grès, pour créer des œuvres à la frontière entre l’art et le design aux formes courbes et réconfortantes nées d’un geste manuel ancestral. Elle recherche constamment dans son travail le difficile équilibre entre la rigueur des contraintes techniques et la nécessaire liberté et spontanéité du geste. 

Fruit des derniers projets d’Elisa Uberti, la lampe Jeanne#1 est fabriquée à la main en grès blanc et fils de laine. Elle s’inspire d’un voyage en Afrique, où les mangroves semblent danser sur l’eau et où les paysages éveillent une douceur énergisante et spirituelle. Le design de cette lampe offre un volume naïf et enveloppant. Cette combinaison de matières et de formes évoque une symbiose avec la nature et une connexion profonde avec l’essence du temps qui s’écoule, représentée par les fils de laine. Elle incarne le souvenir ému d’une contrée lointaine et transporte dans un voyage intérieur évoquant des souvenirs et des émotions empreints de délicatesse et de poésie. 

Laura Demichelis est artisane bronzière d’art depuis 2010, diplômée de  l’École Boulle à Paris. Après plusieurs années passées au sein des ateliers de designers reconnus à Paris et Berlin, elle initie un voyage en Asie à la rencontre des techniques locales de fonderie du bronze, notamment au Vietnam. Riche de ces expériences inspirantes, elle installe son atelier à Toulouse d’où elle signe et réalise du mobilier d’art et des luminaires d’exception, en quête de beauté et d’intemporalité. Son travail tourne autour de 3 axes : les jeux de lumière, la texture de la matière et la répétition d’un motif. Son langage oscille entre préciosité et poésie des formes, guidée par son savoir-faire et sa sensibilité du vivant. 

La table RHINO est inspirée de la gravure Rhinocéros d’Albrecht Durer mêlée à une réinterprétation du vivant très poétique. Elle est le point de départ de la création de la texture utilisée pour cette table d’appoint. Gougée à la main puis reproduite en bronze grâce au moulage au sable, cette carapace, ou armure de métal, est ensuite précieusement encadrée par un filet de laiton aux reflets dorés. Le plateau, lui, se pare de douceur au contact de la main qui caresse un cuir mat gainé. Cette table a été réalisée à Toulouse par l’artisane, dans une constante recherche d’un design cohérent entre la forme de l’objet et la mise en valeur de la matière, tout en respectant sa fonctionnalité quotidienne. 

Studio Joachim-Morineau est un studio de design fondé par Carla Joachim et Jordan Morineau, à Eindhoven aux Pays-Bas. Ils se sont rencontrés à l’École nationale supérieure des Arts Appliqués et des Métiers d’Art de Paris (EnsAAMA) et ont continué leurs études ensemble à la Design Academy of Eindhoven. Ils ont l’intention de produire un langage moderne, à la frontière entre le design de collection et les objets fonctionnels. Ils pensent qu’en intégrant des influences du passé, un lien émotionnel et visuel se crée avec les utilisateurs. En réfléchissant à leur pratique actuelle du design et en étudiant davantage les techniques artisanales et industrielles, ils poursuivent leur recherche de nouvelles esthétiques et de résultats surprenants.

Tholos fait partie d’une série de colonnes “Archetypes” qui s’inspirent de différentes structures de temples et de formes de colonnes du Parco Archeologico del Colosseo à Rome. Fabriquée à partir de profilés industriels en aluminium, la colonne reprend visuellement et structurellement des éléments architecturaux gréco-romain pour les retranscrire en une nouvelle esthétique industrielle. Tholos est conçue et assemblée dans leur atelier d’Eindhoven, aux Pays-Bas. 

L'appel à candidatures s'adresse aux artistes-designers en auto-édition ou par l'intermédiaire de leur galerie et/ou éditeur.Le processus de sélection s'appuie sur une consultation à l'échelon national. Il vise à soumettre à une commission exceptionnelle des pièces à caractère artistique déjà réalisées, dont l'originalité du processus créatif, de leur design et des savoir-faire mobilisés constituent des marqueurs.

Soumises à l'appréciation d'un jury composé de professionnels du secteur du design, les pièces ainsi sélectionnées seront acquises par le Mobilier national. Elles auront ainsi vocation à être déposées dans les lieux officiels de la République Française.